Photographie de lumière latérale arrière. Qu'est-ce que la lumière latérale en photographie et comment l'utiliser correctement ? Le rôle des sources lumineuses dans le schéma d'éclairage

Neil Fraser, conservateur de la Royal Academy of Theatre Arts, a examiné cinq aspects clés de l'éclairage de scène.

Dans la deuxième leçon, Neil Fraser répond à la question de savoir où la lumière doit tomber sur une scène, parle des différents angles d'éclairage et propose un certain nombre d'exercices utiles pour créer des peintures lumineuses.

Lors du choix de l'angle sous lequel la lumière tombe, il est important de trouver un compromis entre la clarté avec laquelle le public voit l'objet illuminé et la perception dramatique de cet objet. C'est génial quand les deux idées se réalisent, mais souvent l'une d'elles éclipse l'autre. Par exemple, cela se produit lorsque quelqu'un essaie de rendre un objet plus visible aux spectateurs et supprime les ombres qui lui donnent le caractère souhaité.

Habituellement, en regardant l’angle sous lequel la lumière tombe, nous pouvons deviner où se trouve sa source. Il est plus difficile de déterminer quelle source de lumière émet : le soleil, une lampe de table ou un lampadaire. Ainsi, lors de l'interprétation de la lumière sur scène, le public ne peut pas faire d'analogie entre l'angle d'incidence de la lumière et la source lumineuse réelle qu'il connaît.

Angles d'éclairage de base

Vous trouverez ci-dessous les cinq angles principaux qui caractérisent l'emplacement de la source lumineuse par rapport à l'objet éclairé :

1. Lumière horizontale (plate) : lumière tombant directement sur l'objet le long de la ligne de mire du spectateur
2. Rétroéclairage – lumière venant de derrière et du dessus
3. Lumière latérale - lumière latérale au niveau de l'objet
4. Éclairage aérien – la source est située directement au-dessus du sujet
5. Lumière de rampe - la source est située devant l'objet par le bas

En combinant certains de ces domaines, vous pouvez également obtenir :

• Éclairage avant supérieur - lumière d'en haut et devant le sujet
• Lumière diagonale : lumière d'en haut, loin du sujet

Le choix de l'angle d'éclairage dépend de ce que l'on souhaite communiquer au spectateur. Imaginons donc la signification émotionnelle de ces angles.

Plat l’éclairage de scène est souvent terne car il ne produit presque aucune ombre. Ce n'est que dans un certain contexte (quand un impact fort est requis) que cela peut être mystérieux et intéressant.

Arrière la lumière peut être décrite comme menaçante ou mystérieuse. Il est rarement utilisé séparément, sous sa forme pure.

Côté la lumière a un effet puissant, comme quelque chose d’abstrait (rarement trouvé dans des conditions naturelles).

Supérieur la lumière peut être perçue comme oppressante, elle semble appuyer sur l'objet éclairé.

Rampe la lumière sur scène semble la plus étrange, la plus étrange et la plus inhabituelle de toutes. Il n’est pas surprenant qu’il soit utilisé moins souvent que les autres.

Haut devant la lumière modélise bien les sources lumineuses que nous connaissons - c'est sous cet angle que tombe la lumière du soleil, la lumière des lampadaires ou d'un lustre de pièce. De plus, il allie le plus harmonieusement une bonne visibilité et un certain drame.

Diagonale la lumière n'est pas aussi familière que la lumière avant supérieure, mais plus naturelle que la lumière latérale, car tombe d’en haut.
L’effet de la lumière sur le spectateur ne dépend pas tant de la lumière elle-même que des ombres qu’elle crée. C'est le clair-obscur qui peut montrer les contours et la forme d'un objet et susciter l'intérêt pour celui-ci.

Combiner les angles d'éclairage

L’utilisation de plusieurs sources de lumière sur une scène rend la scène lumineuse plus intéressante. Voici quelques notes à ce sujet :

1. L’effet des sources lumineuses positionnées selon des angles fondamentaux par rapport au sujet peut être très différent de celui obtenu en les combinant. Lorsque nous combinons différents angles d’éclairage, nous devons nous rappeler comment chaque source de lumière contribue à l’image globale. Par exemple, un angle est utilisé pour donner de la clarté à un tableau, tandis qu’un autre est utilisé pour créer une lumière dramatique.
2. Chaque concepteur d'éclairage sait que le fait d'avoir une source de lumière forte et dominante dans une conception d'éclairage rend l'éclairage plus attrayant. On peut supposer qu’une lumière clé forte est perçue par nous comme agréable à un niveau subconscient (comme cela se produit par une journée claire et ensoleillée). Cela peut être utilisé : rendre une source de lumière plus forte qu’une autre n’est pas difficile, et cela a l’air bien.
3. Gardez à l’esprit que l’utilisation de trop d’angles d’éclairage rend l’image globale floue ou surexposée. Ça a l'air bien, mais ce n'est pas intéressant à regarder. Ici (comme dans de nombreuses autres situations), le dicton « moins c'est plus » s'applique.
4. La lumière sur une scène est capable de « déplacer » un objet, par exemple en le rapprochant ou en l’éloignant. Ceci est très visible lorsque l'on utilise le rétroéclairage qui, combiné à d'autres angles d'éclairage, a un réel pouvoir : créant un halo autour de l'objet, il semble le pousser vers le spectateur, soulignant sa forme, démontrant sa tridimensionnalité.

En règle générale, la manière dont un artiste met en œuvre l’éclairage sur scène dépend de la façon dont il fonctionne dans le monde réel. Si l’objet scénique semble familier, le spectateur peut facilement deviner la source lumineuse qu’il connaît. On peut alors parler de lumière naturelle (réaliste) sur scène.

Lorsque vous travaillez avec des angles d'éclairage, vous devez garder à l'esprit quelques principes généraux concernant le travail avec la lumière :

• c'est la lumière qui révèle la forme des objets,
• des motifs lumineux identiques deviennent vite ennuyeux,
• un nombre insuffisant de sources lumineuses nuit à la visibilité,
• la présence d'ombre renforce l'effet de la lumière.

En règle générale, les concepteurs d’éclairage améliorent leurs compétences chaque fois qu’ils font simplement leur travail. Cependant, il est parfois utile d’expérimenter la lumière sans être lié à un quelconque projet. Ces exercices peuvent être réalisés seul ou en compagnie de collègues.

Neil Fraser recommande aux futurs concepteurs d'éclairage de tenir un journal ou un journal contenant des idées, des références, des diagrammes et des croquis, des photographies, des cartes postales, etc. Un tel magazine peut devenir une sorte de trésor d'idées et une source d'inspiration. Il sera utile d'inclure vos notes concernant les exercices suggérés.

DES EXERCICES

La plupart des exercices pratiques nécessiteront plusieurs sources de lumière. Bien sûr, les lampes de théâtre sont les mieux adaptées, mais dans certains cas, vous pouvez vous en sortir avec des lampadaires. Certains exercices peuvent être simulés en miniature à l’aide de petites ampoules et d’une surface de table. Des exercices non pratiques vous aideront à remplir votre cahier ou journal d’idées.

Exercice 1. Trouver le bon angle

1. Trouvez un objet inanimé intéressant à éclairer, comme une pyramide de chaises ou un tissu drapé sur les pieds d'une table retournée.

2.Sélectionnez un point de vue.

3. Prenez trois sources de lumière et placez-les sous différents angles par rapport au sujet.

4.Voyez à quoi ressemble l'éclairage de chaque source séparément et décrivez-le

5.Voyez à quoi ressemble l'éclairage lorsque vous combinez des sources lumineuses par paires, décrivez vos impressions.

6. Regardez l'effet de l'activation des trois sources en même temps, décrivez vos impressions dans un journal. Si vous avez la possibilité de modifier la luminosité de vos luminaires, utilisez-la pour créer des combinaisons de lumières clés et d'appoint.

Pour rendre l'effet de chaque lumière plus visible, utilisez des filtres de couleur différents pour chacune d'elles dans des nuances riches, comme le rouge, le bleu et le vert.

Exercice 2. Peindre avec la lumière

1. Consultez la liste des angles d'éclairage de base :

lumière horizontale,

feu arrière,

Lumière latérale,

plafonnier,

Lumière de rampe.

2.Prenez une pile de vieux magazines et feuilletez-la à la recherche d'illustrations où la lumière tombe de l'une des manières ci-dessus.

3. Lorsque vous disposez d'un nombre suffisant de ces exemples, classez-les par ordre croissant : de la meilleure à la pire application d'un angle d'éclairage donné.

Certains angles d’éclairage seront vus plus souvent que d’autres, et ils sont rares à l’état pur. Par conséquent, vous pouvez répéter cet exercice lorsque vous disposez à nouveau de vieux magazines. Classez vos meilleures photos dans un dossier afin de pouvoir vous y référer ultérieurement. Cet exercice peut être réalisé en regardant la télévision ou des images vidéo.

Exercice 3. Apprendre à voir la lumière

1. Faites une liste des principaux angles d'éclairage :

lumière horizontale,

feu arrière,

Lumière latérale,

plafonnier,

Lumière de rampe.

2. Visitez plusieurs endroits différents, comme votre chambre, votre salle de classe, votre bibliothèque, votre parc, etc.

3. Prenez des notes dans votre carnet (lieu, heure de la journée, etc.) et notez les angles sous lesquels la lumière frappe chacun de ces endroits.

4.Si vous savez dessiner, faites quelques croquis.

Trouvez un symbole pour chaque angle (cela peut être utile pour des notes ultérieures).

Exercice 4. Trois contre un

Cet exercice est similaire à l'exercice 1, mais au lieu d'éclairer un objet inanimé, vous éclairerez un modèle vivant. Encore une fois, une partie importante de cet exercice consiste à décrire verbalement ce que vous verrez. Cet exercice deviendra encore plus utile si vous le réalisez et en discutez avec votre partenaire.

1.Placez le modèle au centre de l'espace éclairé.

2. Choisissez un point d'observation - l'endroit d'où vous observerez le modèle.

3.Sélectionnez trois sources lumineuses et placez-les sous différents angles par rapport au modèle.

4. Regardez comment chacun d'eux éclaire le modèle séparément. Décrivez vos impressions : ce que cela vous rappelle, quelle atmosphère elles créent, quelles émotions elles évoquent.

5.Faites de même pour les combinaisons par paires de sources lumineuses.

6.Allumez les trois sources en même temps et enregistrez vos impressions.

7. Si vous pouvez régler la luminosité de vos lumières, créez une lumière principale et une lumière d'appoint. Ou passez à l’exercice 6 (qui développe ce sujet).

Exercice 5. Travailler cinq

Créez un schéma d'éclairage pour le modèle placé au centre de l'espace sélectionné à l'aide de cinq sources lumineuses. Chacun d’eux doit briller sous l’un des angles de base :

lumière horizontale,

feu arrière,

Lumière latérale,

plafonnier,

Lumière de rampe.

Bien entendu, vous devez définir très clairement votre propre point d’observation. Lorsque vous créez votre diagramme :

1.Voyez comment les cinq lumières fonctionnent seules. Décrivez vos impressions : ce que cela vous rappelle, quelle atmosphère elles créent, quelles émotions elles évoquent.

2.Combinez les sources lumineuses par paires et notez vos impressions.

3. Faites de même pour différentes combinaisons de trois sources lumineuses.

4. Si vous pouvez régler la luminosité des lumières, créez plusieurs variations de lumières principales et de remplissage.

5.Répondez par vous-même aux questions suivantes :

Aimez-vous la façon dont le modèle est éclairé sous un angle ou un autre ? Choisissez votre source de lumière unique préférée : pourquoi l’aimez-vous ?

Parmi les combinaisons de sources lumineuses que vous avez créées, laquelle aimez-vous et laquelle n'aimez pas ? Pourquoi? Pouvez-vous utiliser votre design pour donner au modèle une certaine apparence (comme un héros, comme une personne faible, comme un prisonnier, etc.) ?

Pouvez-vous créer une certaine atmosphère avec votre design ? Essayez ce qui suit : mystère, horreur, anxiété, amusement, drame, cœur, désespoir, excitation, ennui, dépression.

Exercice 6. Lumière réaliste

1.Placez le modèle au centre de votre pièce

2. Choisissez trois sources lumineuses et positionnez-les de manière à ce que votre modèle soit éclairé comme par une journée ensoleillée (n'utilisez pas de filtres de couleur). Vérifiez le résultat en demandant à quelqu'un de commenter l'image obtenue. Demandez : « À quelle lumière naturelle cela vous fait-il penser ? » S'il répond « midi » ou journée ensoleillée », demandez-lui d'indiquer d'où vient la lumière du soleil (c'est-à-dire quelle source de lumière simule la lumière du soleil).

Dernièrement, dans notre communauté, nous avons souvent vu des messages selon lesquels nos collègues et amis décidaient de s'acheter un ensemble de lumière artificielle, et cela n'est pas surprenant. Nous gagnons ou apprenons à gagner de l'argent avec nos photographies, et lorsque nous avons besoin d'envoyer systématiquement un grand nombre de photographies de bonne qualité avec une certaine fréquence, nous ne voulons pas dépendre de la taille des fenêtres de l'appartement, de la situation géographique. le lieu de résidence, la période de l'année et simplement la météo à l'extérieur de la fenêtre. Mais beaucoup ont du mal à passer de la lumière naturelle à l’éclairage artificiel. Et encore plus lorsqu'il y a plusieurs flashs dans l'ensemble.

Je vais vous parler de mon équipement.
J'ai un ensemble de lumière artificielle RayLab AXIO 200 - 3 assez bon marché. Il s'agit d'un ensemble de trois sources lumineuses de 200 J chacune, avec 2 softbox 50x70 cm. Il me sert bien, semble-t-il, depuis 7 ans. C'est loin d'être parfait et c'est déjà vieux. Mais je l'utilise activement pour la photographie culinaire et les portraits. Et j’utilise très souvent les trois sources.
Comme Oksana, je photographie sur une table basse d'Ikea, qui me sert assez souvent de fond blanc.

La dernière fois, Oksana a écrit une leçon sur le travail avec une seule source de lumière (il peut s'agir d'une source de lumière artificielle ou d'une fenêtre). Et surtout, Oksana a parlé des différents types d'éclairage. Nous allons maintenant essayer d’ajouter une autre source de lumière, voir comment travailler avec elles et comment obtenir des types d’éclairage similaires dans ce contexte.

Quelle est la différence entre travailler avec 2 sources de lumière artificielle ?

Tout d’abord, je tiens à dire que l’utilisation de l’éclairage artificiel nous donne beaucoup plus de contrôle sur la lumière que l’utilisation de la lumière naturelle. Si avec la lumière naturelle on agit principalement sur la localisation de l'objet par rapport à la lumière et aux réflecteurs, nous avons une influence très limitée sur la puissance et la nature de l'éclairage. Grâce à la lumière artificielle, nous pouvons facilement modifier la direction, le caractère et la puissance de la lumière. Si nous utilisons deux sources, alors avec un certain schéma, sans même réorganiser les sources, nous pouvons obtenir différents types d'éclairage, fonctionnant uniquement avec des puissances.

Circuit et réglages de base

Voyons comment fonctionnent les schémas suivants dans la pratique :

Il s’agit d’une disposition courante dans laquelle deux sources lumineuses sont approximativement opposées l’une à l’autre, en diagonale. C’est la position dans laquelle je place souvent mes flashs en studio.

Commençons par régler nos sources à la même puissance. Régleons environ la moitié de la puissance sur chaque source, paramètres de prise de vue : 100 ISO, F/5.6, 1/160
Veuillez noter qu'étant donné qu'il existe des flashs avec différentes puissances et capacités de réglage, vous devrez peut-être sélectionner vos propres paramètres de prise de vue.

Comme vous pouvez le voir, dans ce cas, nous n'avons pas de reflets ni d'ombres évidents. Les raisins sont éclairés de manière assez homogène. Mais la lumière n’est pas très expressive et ne rend pas bien le volume.

Voyons maintenant ce qui se passe si l'on change uniquement la puissance des sources. Nous réglons la puissance de la source la plus proche de nous à environ 2/3 - ce sera la lumière principale, et celle la plus éloignée à 1/3 - elle mettra en valeur les contours. Les paramètres de l'appareil photo restent les mêmes. Comme l'a déjà dit Oksana, ce modèle d'éclairage est assez courant chez les débutants, même s'il n'éclaire pas toujours favorablement le sujet. Si vous photographiez avec un arrière-plan en arrière-plan, celui-ci sera également très fortement éclairé, tout comme le sujet lui-même.

Mon prochain modèle, et celui que je préfère, où la lumière de la peinture sera postérolatéral. Nous changeons donc la puissance - la source distante est de 2/3 et la source frontale est de 1/3. Voilà le résultat. Ce modèle représente les raisins de manière plus favorable. La photo s'avère beaucoup plus volumineuse.

Dans ce cas, pour mettre en valeur un peu l'objet depuis l'avant gauche, et laisser jouer un peu les raisins, vous obtenez ce motif et voici le résultat.

Ce schéma est bien adapté aux compositions complexes avec plusieurs éléments, car il donne un excellent résultat moyennement volumineux, et nous avons la possibilité de mettre en évidence les éléments qui n'ont pas été suffisamment éclairés par deux softbox.

Considérons deux autres types d'éclairage, dont Oksana a également déjà parlé, seulement nous les reproduirons avec 2 sources lumineuses.

Peindre la lumière – dos. Dans ce cas, on place la photobox distante devant l'appareil photo directement derrière le sujet. Et nous laisserons le deuxième au même endroit. Ici, nous devrons ajuster légèrement la puissance lumineuse et les paramètres, car dans cette option, beaucoup plus de lumière entre dans l'objectif et la photo semblera surexposée. J'ai réglé le rétroéclairage à 1/2 puissance, la lumière d'appoint est restée à 1/3 de puissance. Paramètres de la caméra : 100 ISO, F/8, 1/160

J'utilise souvent ce schéma d'éclairage lorsque j'ai juste besoin d'un fond blanc en arrière-plan ; cela me permet de ne pas utiliser de sources de lumière supplémentaires pour éclairer l'arrière-plan, puisque la softbox elle-même fait office d'arrière-plan. Mais comme vous pouvez le constater, dans ce cas, le volume du sujet n’est pas aussi bien rendu. Et il faut veiller à éclairer la face avant de l'objet.

Clé lumineuse - côté. Nous réorganisons les softbox des deux côtés de notre sujet. Les capacités restent les mêmes. Paramètres de la caméra : 100 ISO, F/5.6, 1/160

La lumière latérale est la mieux à même de transmettre et de souligner le volume de la plupart des objets.

Puissance des sources
Je voudrais également attirer une attention particulière sur le fait qu'en ajustant la différence de puissance lumineuse entre la lumière principale et la lumière d'appoint, nous pouvons contrôler le « drame » de l'éclairage. Plus la différence est grande (plus la lumière d'appoint est faible), plus l'image sera contrastée, les ombres seront plus profondes, l'image sera plus dramatique.

Le schéma d'éclairage est le même que sur la photo précédente (éclairage principal - côté), il a seulement réduit la puissance de la lumière d'appoint au minimum.
C'est la possibilité d'ajuster la puissance, et pas seulement de changer l'emplacement de la lumière par rapport au sujet, qui ouvre d'énormes opportunités au photographe pour créer l'ambiance et le caractère de la photographie !

Exercice
Choisissez un plat ou un objet et photographiez-le en utilisant différents schémas d'éclairage. Sélectionnez les paramètres de la caméra et l'alimentation de la source pour votre situation (commencez par les paramètres que j'ai donnés, voyez s'ils fonctionnent avec votre lumière). Expérimentez avec différents niveaux de flash.

Dans les commentaires de la publication, montrez plusieurs photos avec les résultats de votre travail. Écrivez le type de lumière que vous avez utilisé, les paramètres de caméra et de lumière utilisés dans votre cas.

Bon après-midi En touche, Timur Mustaev. Tout photographe comprend l'importance de l'éclairage dans son travail. La capacité de l'utiliser correctement est une compétence clé qui sera utile même dans des conditions environnementales difficiles.

Il existe différents types de lumière, types de dispositifs d'éclairage. L’une des classifications les plus importantes est basée sur la directionnalité de la source lumineuse. À cet égard, je voudrais vous demander : la lumière latérale en photographie - qu'en savons-nous ? Comment et quand est-il préférable de l’utiliser ?

Lumière du côté

Choisir le type d’éclairage approprié et avantageux n’est pas facile en soi. Ainsi, en plus des points généraux sur cette question, il existe également différentes positions des sources lumineuses, ce qui, bien entendu, affecte l'image.

Si nous dessinons mentalement un cercle au centre duquel se trouvera un objet/sujet de prise de vue, alors le long de ses bords, nous pouvons placer un luminaire.

La lumière directement latérale est considérée comme une lumière placée sur le côté du modèle et dirigée vers lui de manière à ce qu'il y ait un angle de 90 degrés entre la lumière et le photographe.

Contours, texture - dans ce cas, ils deviendront plus attrayants, plus clairs, grâce à quoi le volume apparaîtra. Le BS est souvent utilisé dans les portraits, mais les photographes paysagistes l'adorent aussi, et l'architecture de la ville est impressionnante avec.

Lorsque vous photographiez en extérieur, qu'il s'agisse de nature ou de personnes, vous devez toujours vous rappeler que, par rapport à un studio, la lumière ici change en fonction de l'heure de la journée et qu'il faut avoir le temps de la capter.

Le soleil en position latérale apparaît généralement avant midi ou vers la fin de la journée. Pourquoi donc? Le soleil à son zénith (à son point le plus élevé) brille d'en haut et ne crée pratiquement pas d'ombres sur les objets ; plus précisément, il les conduit vers le bas, ils tendent vers le sol. Chez l’homme, cela s’exprimera au minimum par des poches sombres et effrayantes sous les yeux et le menton.

L'importance de la lumière

L’endroit où se situera la lumière, et donc d’où elle viendra, est un facteur décisif. Un petit écart - et vous obtiendrez un type d'image différent !

En plus du latéral, on peut parler du frontal (avant) et du contraire (arrière).

Entre les côtés et les frontaux se trouvent également des diagonales (à 45 degrés), sans nom et coulissantes, qui sont situées des deux côtés de la diagonale. Bien entendu, n’importe quel type peut être présenté de manière très compétente et intéressante s’il est utilisé dans la bonne situation et avec habileté. Mais c'est le côté (ou côté - diagonale) qui est considéré comme le plus réussi.

Quelles sont ses propriétés ?

• Premièrement, c'est pratique pour nous. Après tout, il brille de côté, c'est-à-dire pas clairement directement sur le modèle, étant quelque part derrière le photographe, qui peut le bloquer, et non derrière le sujet de la séance photo, pénétrant dans l'objectif et lui causant ainsi quelques nuire.
• Deuxièmement, comme déjà mentionné, cela donne une tridimensionnalité contrairement à celle frontale, ce qui rend la photo plate. Et en même temps, le côté ne crée pas de problèmes importants, comme la lumière de derrière : dans ce dernier cas, nous avons une surexposition, un objet sombre et un fond trop clair, un contraste très dur.

Ainsi, avec un éclairage latéral, nous obtenons une belle image sans tracas inutiles en post-traitement. Bien que certains puissent considérer cela comme une option prévisible et facile en raison des caractéristiques positives décrites.

Exemples d'utilisation

Pour apprendre à comprendre et contrôler la lumière, la meilleure solution est de travailler avec un seul type. Commencer. Vous pouvez ensuite ajouter d’autres sources et expérimenter librement les schémas d’éclairage. Je suggère aux lecteurs d'essayer cette option par eux-mêmes et de voir quels résultats peuvent être obtenus. Nous parlons ci-dessous des conditions du studio.

Cela signifie que dans le cadre de ce thème, la lumière principale est présentée de côté et est dirigée vers le modèle, un ou deux autres appareils éclairent l'arrière-plan. Avec cette configuration, nous pouvons obtenir un effet d’ombre ou de surbrillance où un côté du visage est éclairé et l’autre non. Le BS tombera précisément sur l’oreille de la personne.

• D'abord type : le visage est légèrement tourné vers la lumière pour que la partie étroite du visage soit éclairée, et la partie large - plus tournée vers le photographe - soit dans l'ombre. Dans un tel demi-tour, la frontière d'ombre et de lumière longe le profil et la ligne du nez.
• Deuxième: on détourne le visage de la source, puis la partie étroite du visage est ombragée, mais la partie large reste dans la lumière.

L'essentiel est de positionner clairement l'illuminateur ; la pose et l'expression faciale du client feront l'objet d'une vision créative.

Dans ce cas, la rotation de la tête du modèle par rapport à la source n’est pas nécessairement la même que celle décrite ci-dessus. Variez-le, créant ainsi des images et des motifs complètement différents. Cela peut être un visage complet, un tour léger ou classique, etc.

Je comprends que de nombreux facteurs doivent être pris en compte, mais je vous demande d'en prendre un de plus en compte : dès qu'un éclat de lumière apparaît dans les yeux du modèle, la photo entière semblera immédiatement vivante et expressive.

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Mes sincères vœux de succès ! Votre guide du monde de la photographie.

Bonne chance à vous, Timur Mustaev.

Il y a un sujet dont les paparazzi professionnels adorent parler. De plus, ils estiment que ce sujet est l'un des plus importants de la photo. Et ce thème est léger. Les paysagistes parlent de critères d'éclairage et de types de lumière spécifiques. Les portraitistes parlent souvent de la lumière comme d’un dispositif qui influence le résultat. Les photojournalistes et les vagabonds parlent de « capturer l’instant présent » sous certains éclairages. Tous les paparazzi professionnels parlent de lumière et de critères d'éclairage.
Si la lumière est si importante pour les photographes professionnels, il est alors important pour les photographes ordinaires de savoir et de comprendre ce qu'est la lumière et de quel type de lumière il s'agit. Par conséquent, le but de cet article est d’examiner quelle lumière est présente et comment elle affecte votre photographie.

Triple nature de la lumière.

Les maîtres vous diront que pour tout photographe, la lumière a une triple nature : couleur ou couleur, direction et type. Ces trois éléments influencent l’apparence finale de la photo. Comprendre et mettre en œuvre correctement ces principes vous permet de créer les meilleures photos.
Composition des couleurs de la lumière
En 1665, Sir Isaac Newton a mené une expérience montrant que la lumière visible est composée de 7 couleurs (rougeâtre, orange, jaunâtre, verdâtre, bleu, cyan et violet).
À ce stade, nous savons qu’il existe en réalité encore plus de couleurs de lumière qui composent la gamme. Mais l’œil humain ne reconnaît généralement qu’une partie de la gamme, et diverses couleurs infrarouges et ultraviolettes restent au-delà des limites de notre vision.
La lumière pure et blanche comme neige n’est en réalité rien d’autre qu’une combinaison de différentes couleurs. Par conséquent, la lumière ne visite pas constamment « pure ». Souvent, la balance des couleurs de la lumière « pure » peut être décalée vers une couleur spécifique. Et lorsque cela se produit, la lumière change. La lumière naturelle ne reste généralement pas constante ; elle change continuellement tout au long de la journée. Et ce qui est le plus important, c'est qu'un changement de lumière peut donner une ambiance complètement différente à la même photo. Plus précisément, ce n'est même pas le changement de lumière lui-même qui change l'ambiance, mais le changement dans la composition des couleurs de la lumière, la direction de la lumière, permet au photographe de transmettre exactement l'ambiance qu'il souhaite. Non seulement montrer l'objet au contemplateur, mais transmettre une certaine atmosphère autour de l'objet, établir un contact visuel avec le contemplateur. Les excellents paparazzi choisissent constamment une lumière qui leur permettra non seulement de photographier le sujet, mais aussi de transmettre un message émotionnel, l'ambiance que le photographe lui-même apporte à son travail. Les paparazzi inexpérimentés, qui ne connaissent pas la nature de la lumière et comment la contrôler, ne peuvent souvent pas réaliser ce qu'ils veulent et restent grincheux avec leurs photographies, car ils ont pu transmettre une image, mais cette image est sortie aigre et morte, n'évoquant aucun sentiment parmi les spectateurs.

Lumière neutre

Photo 1. Lumière neutre

La lumière neutre, qui n’a pas de teinte de couleur évidente, est idéale lorsque vous souhaitez obtenir la couleur « naturelle » du sujet. La photo 1 montre une photo prise dans des conditions d'éclairage neutres. Ces conditions supposent que la lumière n’ajoute aucune dominante de couleur « étrangère » à l’image. Ceci est extrêmement important pour cette photo d'une vague de mer, car la couleur blanche comme neige de la mousse est critique pour cette photo et nous devons photographier la vague avec une lumière qui ne contient pas d'« impureté de couleur ». Par conséquent, pour cette photo, une lumière neutre est exactement ce dont vous avez besoin.

Nous pouvons trouver une lumière neutre tout au long de la journée, lorsque le soleil est déjà levé mais n'a pas encore commencé à se coucher. La lumière la plus neutre que nous ayons se produit lorsque le soleil est à son zénith, directement au-dessus de notre tête.
Les paparazzi qui souhaitent utiliser une lumière neutre doivent garder certaines règles à l'esprit.
Une forte nébulosité déplace la couleur de la lumière neutre vers le bleuâtre. Les zones d'ombre ont également une teinte légèrement bleue. La lumière filtrée ou réfléchie par quelque chose peut également ne pas être « purement blanche comme neige », neutre. Autrement dit, un photographe photographiant en forêt peut constater que la lumière neutre est devenue un peu verte après avoir traversé les feuilles. Et un photographe travaillant quelque part dans un canyon, avec la lumière réfléchie par les parois, peut voir que la lumière réfléchie a également reçu une légère coloration après être entrée en contact avec la montagne.

Lumière chaude

La lumière chaude est bonne pour créer une image de rêve et « appelant ». Les gens ont tendance à comparer la lumière chaude à une sensation de confort, de convivialité et de romantisme. Par exemple, un couple d’amoureux assis sur le rivage près d’un feu, les éclairant d’une lumière chaleureuse. Un mari et sa femme célèbrent leur propre anniversaire, assis à une table éclairée par le feu d'une bougie chaude et vacillante.

Photo 2. Lumière chaude

La photo 2 montre les conditions qui créent une lumière chaude. La photo a été prise à un moment où le soleil se rapprochait de l’horizon et où la lumière devenait extrêmement chaude. Les tons chauds sont inhabituellement perceptibles en montagne. Ces tons confèrent à la photo une ambiance extrêmement douce et attrayante. Il est difficile de ne pas voir à quel point la composition des couleurs de l’éclairage est ici importante.
La photo montre l'une des cascades les plus photographiées de Californie. J'ai vu plusieurs photographies de cette cascade prises par des photographes professionnels et toutes ces photographies ont été prises sous une lumière chaude. Autrement dit, pour certaines photos comme celle-ci, la bonne lumière est un prérequis à ne pas négliger. Si vous le manquez, vous n’obtiendrez pas une excellente photo.
Le moyen le plus simple de capter une lumière chaude est immédiatement après le lever du soleil ou juste avant le coucher du soleil. En raison de la position basse du soleil, ses rayons sont réfractés dans l'air et se déplacent vers la gamme rougeâtre. Mais immédiatement après le coucher du soleil et plus particulièrement avant l'aube, le soleil est si bas que la réfraction de ses rayons dans l'atmosphère entraîne un déplacement vers le bleu, qui tue la lumière chaude et donne une lumière froide.
Les couleurs les plus chaudes apparaissent entre une demi-heure après le lever du soleil et une demi-heure avant le coucher du soleil. Après le lever du soleil, la chaleur se diffuse uniformément quelques heures après l'aube. Par expérience, vous pouvez également constater qu’au coucher du soleil, la lumière est plus chaude qu’au lever du soleil. Les paparazzi utilisant une lumière chaude doivent également faire attention aux ombres et aux nuages ​​qui prennent une teinte bleue.

Lumière froide

La lumière froide est idéale pour créer une atmosphère de calme, de silence et de glace. Les gens ont tendance à accepter les couleurs bleu et colombe comme apportant fraîcheur et tranquillité. Un bon exemple est la glace au début de l’hiver, lorsqu’elle a une teinte bleue intense.

Photo 3. Lumière chaude et froide

La photo 3 montre un exemple de lumière froide. Plus précisément, sur cette photo, il y a à la fois une lumière froide et une lumière chaude. Les nuages ​​au-dessus de l'horizon ont une teinte extrêmement chaude, due aux derniers rayons du soleil couchant, et l'océan a déjà été englouti par le crépuscule. L'océan est éclairé par une lumière fraîche réfléchie par le ciel, ce qui lui confère une atmosphère de calme et de fraîcheur.
Le contraste entre les tons froids et chauds améliore la mémoire globale de la photo. Cette photo traduit parfaitement l'atmosphère de la tombée de la nuit. Quand le chaud soleil a presque disparu derrière l'horizon et est remplacé par la fraîcheur de l'océan nocturne.
Le plus souvent, une lumière froide peut être captée dans les courts intervalles entre les premiers rayons du soleil et le lever du soleil lui-même, ainsi qu'après le coucher du soleil, mais avant le début de l'obscurité totale. Durant ce court laps de temps, la terre est éclairée d’une lumière bleutée, douce, sereine. De temps en temps, vous pouvez voir un éclairage mixte, comme sur la photo 3. Et enfin, des tons bleus froids peuvent souvent être obtenus à l'ombre ou dans des conditions très nuageuses.
La réfraction de la lumière solaire dans l’atmosphère conduit également à l’origine d’une lumière froide. Ce n'est que maintenant que cette réfraction entraîne un déplacement vers le bleu. En fait, la lumière est constamment réfractée dans l’atmosphère. C'est précisément à cause de la réfraction de la lumière dans l'atmosphère qu'une immense masse d'air transparente nous apparaît comme un ciel bleu. Et la couleur de ce ciel change continuellement tout au long de la journée, en fonction de la façon dont les rayons sont réfractés à ce moment-là.
Avant le lever et après le coucher du soleil, la terre n'est pas éclairée par les rayons directs du soleil, mais par la lumière réfléchie par le ciel bleu, qui donne une teinte bleue. La même chose se produit avec les ombres sous un soleil clair. Les ombres prennent une teinte bleue car l'éclairage présent dans l'ombre est réfléchi de préférence.

Couleur et saturation

La saturation est une autre nuance très importante pour tout photographe. D'un point de vue photographique, la saturation est liée à l'intensité de la composition des couleurs. Plus la couleur est claire, plus la saturation est forte. Les couleurs fanées, au contraire, ont une faible saturation. Techniquement parlant, la saturation fait référence à la quantité de lumière blanche colorée par une autre couleur. Les couleurs saturées contiennent une quantité extrêmement infime de lumière blanche, c’est pourquoi elles semblent claires. Et plus la couleur est « diluée » avec du blanc neige, moins elle est saturée.

Photo 4. Couleurs riches

La photo 4 a des couleurs riches. Les couleurs claires de la photo sont agréables à l'oeil. Les feuilles ont des couleurs rougeâtres, oranges et jaunâtres claires et précises. L'objet sur la photo est encore plus beau que dans la vie - ceci se distingue par ses couleurs saturées.

Photo 5. Couleurs faiblement saturées

La photo 5 est un exemple de couleurs faiblement saturées. Les feuilles de l’herbe et des arbres ont une couleur verdâtre fanée et terne. Ceci est dû au fait que la photo a été prise dans un éclairage défavorable.
Puisque la couleur donne de l’ambiance et améliore la mémoire d’une photo, la saturation est extrêmement importante. Les paparazzi veulent souvent des couleurs riches et claires. Sunset est l’exemple le plus distinctif de cette variante. Plus les couleurs d’un coucher de soleil sont saturées, plus il est impressionnant.
Les paparazzi sont tenus de savoir quelles raisons influencent la saturation. L’une des raisons les plus importantes est l’heure de la journée à laquelle la photo a été prise. Traditionnellement, en début d’après-midi et en soirée, les couleurs sont plus saturées qu’en milieu de journée. Si vous regardez de plus près les belles photos de paysages, vous remarquerez qu'en général elles ont toutes été prises soit dans la première ou dans la seconde moitié de la journée, et non au milieu. L’une des raisons en est la saturation des couleurs.

Conditions rationnelles pour un polariseur

Une autre méthode conduisant à une augmentation de la saturation est l'introduction d'un filtre polarisant. La lumière polarisée réduit la saturation des couleurs. Nous n'entrerons pas dans la physique de la lumière polarisée, notons seulement que les polariseurs sont justement nécessaires pour « filtrer » la lumière polarisée et ainsi augmenter la saturation. Mais il faut savoir qu'un filtre polarisant ne donne pas toujours le même résultat selon des critères différents. Le plus grand effet d'un polariseur se produit lorsque l'appareil photo est placé dans le bon angle par rapport à la direction des rayons du soleil. Idéalement, celui-ci est perpendiculaire aux rayons lumineux. La figure 6 montre la meilleure position de la caméra pour un objet conditionnel et la direction de la lumière du soleil lors de l'utilisation d'un polariseur. Autrement dit, il doit y avoir un angle droit entre l'objet, la caméra et la source lumineuse. À mesure que nous nous éloignons de la position perpendiculaire, l’effet du polariseur commencera à diminuer. Par conséquent, si le soleil est directement devant ou derrière vous, vous n’obtiendrez aucun effet du polariseur.
Il est également problématique d'utiliser un polariseur pour les prises de vue grand angle et les panoramas. Les objectifs grand angle capturent une très grande image, ce qui fait que les angles entre l'appareil photo, le soleil et les différents points de l'image sont très différents les uns des autres. Autrement dit, un polariseur produira un effet différent pour différentes zones d'une photo grand angle. Un exemple courant est une photo de paysage avec un objectif grand angle (panoramique). La saturation des couleurs du ciel varie considérablement le long des bords de la photo et au milieu.
En plus du polariseur et de la lenteur du jour, l'exposition affecte également la saturation. Avec différentes expositions, vous obtiendrez une saturation des couleurs différente. Par exemple, les paparazzi utilisant des films dia sous-exposent souvent délibérément l'image d'environ un demi-arrêt afin d'augmenter la saturation des couleurs. Mais la manière dont l'exposition affecte la saturation dépend du film ou du capteur numérique de l'appareil photo, des couleurs de l'image et de presque toutes les autres raisons. Il est donc difficile de prédire à l’avance comment un changement d’exposition affectera la saturation. Le meilleur conseil dans cette situation est d'utiliser le bracketing automatique (si votre appareil photo est assez avancé et dispose d'une telle fonction), puis de choisir simplement celle qui vous plaît le plus parmi les 3 photos prises.

La couleur et sa perception par l'homme.

Lorsque vous traitez la composition des couleurs de la lumière, vous devez garder quelques points à l’esprit. 1er parmi eux se trouve le cerveau humain. Le cerveau ne se contente pas de recevoir et de transmettre passivement des informations. Avant de comprendre les informations, notre cerveau a plus de temps pour les traiter. Puisque le cerveau de chaque habitant de notre planète fonctionne à sa manière, il traite les informations à sa manière. Voici quelques exemples à titre d’illustration. Un docteur en psychologie a raconté une expérience intéressante. Les habitants de notre planète portaient des lunettes spéciales qui montraient tout à l'envers. Mais les gens ne pouvaient pas accepter longtemps des informations sous cette forme. Après un certain temps, le cerveau d'un habitant de notre planète s'est adapté et a commencé à traiter les informations entrantes différemment, déplaçant l'image vers l'arrière ! En d'autres termes, l'œil humain a reçu une image inversée, puis le cerveau a décalé l'image vers l'arrière et les gens ont accepté le image à nouveau comme d'habitude. 2ème Un exemple est celui des lunettes de ski ordinaires. Si vous portez des lunettes avec des verres de protection jaunâtres, pendant un certain temps, tout ce qui vous entoure, la neige et le ciel, aura une teinte jaune clairement définie. Et plus tard, votre cerveau s'adapte à cela, commence à filtrer le jaune et vous recommencez à accepter le monde qui vous entoure dans des couleurs normales.
Comme vous pouvez le constater sur l’échantillon final, le cerveau humain peut modifier les couleurs que nous voyons réellement. C’est juste que la plupart du temps, nous ne comprenons pas cela. Par exemple, lorsque vous quittez une pièce sombre pour entrer dans une lumière claire, pendant les premières secondes, vous n'êtes pas convaincu que toutes les couleurs autour de vous sont correctes. Pour les photographes, cela crée un problème : ils ne peuvent pas être convaincus que le spectateur acceptera les couleurs de la photo comme eux. Autrement dit, nous ne voyons pas toujours les couleurs telles qu’elles sont réellement. Concernant les tons chauds et froids, cela s’exprime comme suit. La couleur des objets est intrinsèquement constante, mais peut changer en fonction de l'éclairage de l'objet et de la composition des couleurs de l'éclairage. Le cerveau humain a tendance à filtrer en partie les composants de couleur « supplémentaires » (rappelez-vous l’exemple des lunettes jaunâtres). Autrement dit, les couleurs qui sont en réalité extrêmement chaudes ou extrêmement froides, nous les considérons comme les moins chaudes et les moins froides qu'elles ne le sont réellement, ainsi que la façon dont l'appareil photo les voit et comment elles sont enregistrées sur un film ou une matrice numérique. Par conséquent, un photographe inexpérimenté, ignorant que le soir les objets acquièrent des tons chauds, peut être surpris lorsqu'il voit que sur le tirage, la peau de sa femme bien-aimée a acquis une teinte jaune, bien que « en direct » son œil n'ait trouvé aucune couleur jaune. .
Alors, que devons-nous faire si nous ne pouvons pas faire confiance à nos yeux ? Il existe quelques conseils.

Astuce 1 : regardez de plus près.

Si vous voulez voir à quel point les tons chauds ou froids apparaîtront sur une photo d'un objet éclairé, regardez dans l'ombre la plus proche jusqu'à ce que vos yeux s'adaptent. Déplacez ensuite rapidement votre regard vers l’objet éclairé. En peu de temps, vous adopterez des tons chauds qui se rapprochent le plus de leur apparence réelle. Au contraire, pour voir comment va se dérouler l'ombre, regardez d'abord attentivement l'objet éclairé (mais ne regardez pas directement la lumière !) et lorsque vous vous adaptez, tournez votre regard vers l'ombre.

Le deuxième conseil, il vous suffit d’apprendre. Le photographe doit :

Comprendre quelle est la composition des couleurs de la lumière et quelles conditions conduisent à fournir un certain type de lumière.
Comprendre comment la caméra et le cerveau humain reçoivent la lumière
Acquérir de l'expérience afin de comprendre sous quelle forme ce que nous voyons avec nos yeux sera enregistré par une caméra
Grâce à cette compréhension et à cette expérience, le photographe sera en mesure de prédire comment ses événements affecteront la tonalité des couleurs de la photo.

Couleurs "correctes"

Pour obtenir les couleurs souhaitées sur le film ou le capteur de l'appareil photo, pointez simplement l'appareil photo vers l'objet et appuyez sur le déclencheur. Dans le cas du cinéma, il ne faut pas oublier que la plupart des films, notamment professionnels, sont conçus selon certains critères. Il existe des films spécialement destinés à la photographie de jour, ainsi que des films destinés à la photographie de soirée et de nuit. Et si les conditions pour lesquelles le film a été créé ne sont pas remplies, alors le résultat sera sensiblement différent de celui attendu.
Les appareils photo numériques sont un peu plus flexibles à cet égard. Ils peuvent s'adapter à certaines conditions d'éclairage. Cela se produit parce qu’un appareil photo numérique n’enregistre pas seulement la couleur, mais calcule en permanence la température de couleur. Le mot le plus courant pour vous est probablement la balance des blancs comme neige. Plus l’appareil photo est avancé, plus il est capable de contrôler la température de couleur. Mais pour le moment, nous n'entrerons pas dans les subtilités de la température de couleur dans les appareils photo numériques, car il s'agit d'un autre grand sujet.

Type de lumière

Le type de lumière est souvent défini par les concepts de lumière dure ou douce. Mais ces concepts sont assez flous. Si vous dites à la personne la plus éloignée de la photo que vous avez pris la photo sous une lumière douce, il est fort probable qu'elle ne comprenne tout simplement pas de quoi vous parlez. Mais il existe une explication la plus pratique au fait qu’il existe une lumière douce et une lumière dure. La douceur ou la dureté de la lumière est déterminée par une combinaison de contraste, de détails d'ombre et de spectre dynamique. De plus, une lumière douce ou dure peut être caractérisée par sa perception visuelle et la charge émotionnelle qu'elle transmet au spectateur.

Lumière solide

Photo 7. Lumière solide

La lumière dure est directe, dure et montre souvent le sujet d’une manière « dure » quelque peu peu attrayante.
La photo 7 est un exemple distinctif de lumière solide. La photo a été prise dans le désert alors que le soleil était directement au zénith. En conséquence, la photo s'est avérée extrêmement «rugueuse», le sol était simplement inondé de soleil et les ombres étaient si sombres qu'il était impossible d'y discerner des détails. Pour la plupart des habitants de notre planète, une photo similaire créera un souvenir légèrement « oppressant » et inconfortable. S'il ne fait aucun doute qu'il y a une certaine signification artistique dans cette photo, la lumière dure semble ressortir et souligner à quel point la carrosserie de la voiture est délabrée et détruite.
La lumière solide présente un contraste extrêmement élevé. Ceci est parfaitement visible sur la photo 7. La terre dans les rayons du soleil est si claire qu'un peu plus et cela deviendra tout simplement ennuyeux de la regarder. Et dans l’ombre d’en face, c’est l’obscurité quasi totale. La ligne de séparation entre l'ombre et les zones éclairées est extrêmement précise, tranchante comme une lame de couteau.
Il n’y a pas un seul endroit sur la photo où la lumière se transforme en douceur en ombre. Toutes les transitions sont brusques et soudaines.
La lumière dure a tendance à détruire les détails des ombres. Comme vous pouvez le voir sur l'échantillon avec la machine à écrire, dans l'ombre, il est pratiquement impossible de voir un seul détail, juste une tache sombre continue. Enfin, si vous augmentez un peu l'exposition, cela fera apparaître certains détails dans les ombres, mais en même temps le sol dans les zones éclairées deviendra encore plus blanchi. La perte des détails des ombres est une conséquence du large spectre dynamique de la lumière solide.
Le spectre dynamique décrit le spectre de valeurs tonales qui peuvent être enregistrées par un appareil (dans notre cas, un appareil photo). En d’autres termes, il s’agit d’un spectre de tons allant du point le plus noir que la caméra peut enregistrer jusqu’au point le plus clair. En photographie, le spectre dynamique se mesure en pieds. Lorsque l’éclairage augmente d’un cran, la quantité de lumière entrant dans la caméra double. Un changement d'exposition d'un diaphragme est un changement d'un diaphragme, de 2 diaphragmes est un changement de 2 diaphragmes, et ainsi de suite. Les films couleur et les meilleurs appareils photo numériques ont un spectre dynamique d'environ 5 diaphragmes. Cela signifie que le point le plus clair qui sera enregistré est environ 32 fois plus clair que le plus noir (chaque arrêt double la quantité de lumière, donc 5 arrêts équivaut à 2 * 2 * 2 * 2 * 2 = 32). Le film diapositive a un spectre dynamique de 3 arrêts. Malheureusement, un objet éclairé par une lumière solide a un spectre dynamique de 10 arrêts ou plus. En d’autres termes, comme le spectre dynamique de votre appareil photo est encore plus petit, l’appareil photo n’est tout simplement pas capable de capturer tous les détails (les points les plus clairs et les plus sombres). Seuls les films photographiques en noir et blanc comme neige peuvent avoir un spectre dynamique d'environ 10 arrêts. En couleur, sous un éclairage intense, les détails dans les zones claires et noires seront perdus.
Fondamentalement, les paparazzis expérimentés préfèrent perdre des détails dans les zones noires plutôt que dans les zones claires, c'est-à-dire que dans le cas d'une lumière dure, ce sont des détails dans les ombres.
La lumière dure crée une sensation de rugosité, de dureté et d’ossification. Dans la plupart des cas, c'est un sentiment ennuyeux pour les habitants de notre planète. Mais le photographe peut pleinement exploiter ce sentiment si l’intention artistique l’exige. Par exemple, une magnifique fleur photographiée sous une lumière dure n’aura pas l’air attrayante.
Cela est dû en partie au contraste très élevé et aux zones sombres qui disparaissent dans l'obscurité totale. Une autre raison est que la lumière dure a tendance à réduire la saturation. En conséquence, la fleur deviendra extrêmement fanée.

Photo 8. Lumière solide

Mais tout cela ne signifie pas que la lumière solide ne peut pas être utilisée. Il a sa place. Il peut être utilisé pour souligner la rugosité et l’ossification. Un exemple de photo du désert prise sous une lumière dure soulignera l'atmosphère sans vie des étendues sablonneuses. Sur la photo 8, une lumière dure a été délibérément choisie pour mettre en valeur l'atmosphère de désolation de la tombe, située quelque part au loin dans le désert.
La lumière solide se produit lorsque nous disposons d’une source de lumière petite mais extrêmement claire. Le soleil de midi est un exemple courant de lumière assez dure. Bien que le Soleil lui-même ne soit certainement pas petit du tout, pratiquement à son zénith, il se trouve le plus loin de nous et semble complètement petit. De plus, dans cette position du soleil, sa lumière n’est ni filtrée ni réfractée par quoi que ce soit, ce qui conduit également à une lumière solide. Ainsi, les photographies prises à un moment où le soleil est à son zénith, où le ciel est clair et l'air clair, seront prises sous un éclairage très dur.

Lumière douce

Photo 9. Lumière douce

Le contraire de la lumière dure, qui est tout à fait raisonnable, est la lumière douce. Sa structure peut être complexe et les objets exposés à une lumière douce semblent souvent extrêmement attrayants.
La photo 9 est un exemple typique de photo en lumière douce. Pour créer l’ambiance que le photographe a souhaité donner à une photo donnée, une lumière douce s’impose. Sur cette photo, la lumière et l'ombre sont mal mélangées et il n'y a pas de transitions nettes évidentes. De plus, une lumière douce augmente la saturation des couleurs.
Lumière douce avec un faible contraste. Les zones claires et sombres ont tendance à se mélanger. La transition entre la lumière et l'ombre est douce, dégradée, contrairement à la transition nette en lumière solide.
Comme vous pouvez le voir sur la photo 9, une lumière douce ne détruit pas les détails dans les ombres. Cela suggère que la lumière douce a un spectre dynamique encore plus petit que la lumière dure. Avec une lumière douce, le photographe a encore plus de chances que le spectre dynamique de la scène elle-même corresponde étroitement au spectre dynamique de l'appareil photo et que les détails des zones noires et claires ne soient pas perdus.
Une lumière douce crée une sensation de confort. Dans les photographies de paysages, la lumière douce est le plus souvent utilisée simplement pour rehausser le sentiment de beauté du lieu photographié par le photographe. Et encore une fois, n’oubliez pas qu’en lumière douce, les couleurs sont plus saturées qu’en lumière dure.
Une lumière douce crée une excellente source de lumière, ou si la lumière de la source est filtrée d'une manière ou d'une autre. La lumière réfléchie par une surface devient souvent douce. Lorsque la lumière est filtrée dans l’atmosphère, elle devient également douce. C’est l’une des raisons pour lesquelles les jours nuageux ou même pluvieux sont meilleurs pour photographier les fleurs. C'est également pour cette raison que la plupart des excellents paysages sont réalisés dans la première ou la seconde moitié de la journée. La lumière est adoucie en traversant des masses d'air le long de son trajet.

Direction.

La dernière caractéristique de la lumière est sa direction. Plus précisément, la direction de la lumière par rapport à l'appareil photo et au sujet. Il existe trois directions principales : avant, latérale et arrière. Chaque direction a ses propres propriétés et crée sa propre atmosphère sur la photo.

Lumière directe

Photo 10. Lumière directe

La lumière directe éclaire un objet de face lorsque la source de lumière se trouve derrière le photographe, ou au-dessus du photographe, ou à proximité spécifique du photographe. La lumière directe est souvent visible dans les mauvais paysages et encore moins dans les excellents.
Un exemple d'une telle lumière se trouve sur la photo 10. Traditionnellement, un objet éclairé par une lumière directe semble plutôt inintéressant. L'échantillon montre qu'il n'y a pratiquement pas d'ombres et que l'image elle-même apparaît « plate », sans dimension, de sorte que cette direction de la lumière a tendance à minimiser les textures de l'image.
Le plus souvent, les sujets sont éclairés par une lumière directe en pleine journée, lorsque le soleil est au-dessus de la tête du photographe et brille spécifiquement sur le sujet.

Lumière latérale

Photo 11. Feu latéral

La lumière latérale éclaire un objet de côté, sous un petit angle. Cette direction de la lumière donnera une atmosphère complètement différente à l’ensemble de la scène.
La photo 11 montre la puissance du feu latéral. S’il y avait de la lumière directe sur cette photo, vous ne verriez pas cette « ondulation » de sable. Au lieu de cela, il y aurait simplement la même masse de sable. Et le feu latéral nous montre les véritables dunes du désert.
La lumière latérale est utile lorsque le photographe doit mettre en valeur la texture d'un objet. Ceci est bien visible dans l'échantillon 11. Autrement dit, la lumière latérale souligne la forme de l'objet, son relief. Juste pour voir que la lumière latérale affecte les ombres. Les ombres s'allongent, ce qui augmente souvent sensiblement la mémoire émotionnelle de l'objet. D’un autre côté, les ombres longues et prononcées deviennent elles-mêmes intéressantes.
La lumière latérale se produit lorsque le soleil est bas sur l’horizon. Autrement dit, les paparazzi peuvent capter la lumière latérale tôt dans la journée ou, au contraire, plus près du soir.

Rétroéclairage

Le rétroéclairage éclaire le sujet par derrière. Autrement dit, la lumière est orientée directement vers la lentille. Tout comme l’éclairage latéral, le rétroéclairage peut donner une atmosphère complètement différente.

Photo 12. Rétroéclairage

La photo 12 capture un coucher de soleil - c'est l'un des exemples de contre-jour. Dans ce cas, la plupart des objets (par exemple, les arbres et les montagnes au premier plan) ressembleront à des silhouettes. Afficher des objets sous forme de silhouettes est l’une des utilisations courantes du rétroéclairage. La silhouette apparaît du fait que le spectre dynamique de l'image est bien plus grand que le spectre dynamique de la caméra, et il s'avère également que la face « avant » de tous les objets est dans l'ombre.

Photo 13. Rétroéclairage

La photo 13 montre un autre exemple de rétroéclairage. Dans ce cas, la source lumineuse éclaire le sujet.
Une partie de la lumière traverse la feuille. Dans ce cas, le souvenir apparaît que la feuille elle-même brille, la source lumineuse en tant que telle n'est pas visible du tout. Un rétroéclairage similaire met véritablement en valeur les nervures de la feuille et souligne les couleurs.
Le rétroéclairage est idéal pour créer des photos avec une atmosphère prédéterminée. Par exemple, les silhouettes, ou plutôt la forme de la silhouette elle-même, deviennent souvent plus significatives tout au long de l'image. Et l’application « traversante » du rétroéclairage a tendance à mettre en valeur les détails du sujet. En d'autres termes, le rétroéclairage est le plus approprié non pas pour montrer l'objet lui-même, mais pour produire l'un ou l'autre souvenir sur le spectateur.
Tout comme la lumière latérale, nous pouvons souvent capter le rétroéclairage lorsque le soleil est bas au-dessus de l'horizon, la seule différence est que dans ce cas, la lumière doit être orientée directement vers la caméra. Cela crée un certain nombre de problèmes pour les photographes. Premièrement, si une sorte de filtre est installé sur l'objectif, la lumière peut alors être réfléchie par la surface de l'objectif, frapper le filtre, réfléchie à nouveau et frapper l'objectif, et ainsi de suite... Vous comprenez vous-même que dans ce cas vous ne tirerez rien d'excellent. Mais ce problème peut être résolu simplement en retirant le filtre.
Deuxièmement, les appareils photo numériques ne réagissent pas bien aux sources de lumière claire dirigées directement vers l'objectif. Il peut sembler y avoir une méchante frange autour de la source sur la photo. À cet égard, le film photographique se comporte encore mieux. N'oubliez pas non plus qu'avec le contre-jour, le photographe risque de perdre de nombreux détails de l'image qu'il aimerait montrer au spectateur. Dans ce cas, vous pouvez essayer différentes techniques, comme utiliser le flash plutôt que le contre-jour, ou combiner 2 images numériques prises avec des expositions différentes, etc.

Résumons-le

Nous avons examiné les principales propriétés de l’éclairage et comment différentes lumières affectent l’image elle-même et la perception de l’image par le spectateur. Si vous souhaitez obtenir des photos vraiment divertissantes, vous ne devez pas oublier la lumière. Essayez de garder en permanence toutes les informations sur la lumière dans votre tête, imaginez à quoi ressemblera la photo souhaitée dans un éclairage particulier. Ce sera difficile au début, mais l'expérience viendra certainement. L'essentiel est de se souvenir de la lumière et d'expérimenter

65350 Améliorer les connaissances 4

Dans cette leçon, vous apprendrez : Le rôle de la lumière. Caractéristiques chromatiques de la lumière. Règle du carré inverse. Lumière naturelle et artificielle. Lumière provenant de différentes sources

La lumière est un autre moyen de créer une image, peut-être l’un des plus capricieux. Lorsque nous parlons de lumière en photographie, nous rappelons au moins que le nom « photographie » lui-même est traduit du grec ancien par « light painting ». Cependant, en parlant du rôle de la lumière dans la photographie, nous devons nous rappeler qu’elle remplit ici deux fonctions appliquées.

Le premier d'entre eux est d'obtenir une image photographique de la qualité requise, avec de bons détails dans les ombres et les hautes lumières, ce qui est assuré par une exposition correcte lors de la prise de vue et un processus négatif bien exécuté. Compte tenu de l'aspect technique du problème, sans lequel il est impossible d'obtenir une photographie plus ou moins acceptable, on ne peut pas traiter la lumière en photographie uniquement comme un facteur déterminant l'exposition.

Il a une deuxième fonction, plus complexe, de nature créative et donc, contrairement à l'exposition et au traitement des négatifs, elle ne peut être confiée à une machine automatique. La lumière est l’un des moyens visuels principaux et les plus frappants de la photographie. Il s’agit d’une sorte de palette et d’un pinceau de photographe, à l’aide desquels nous obtenons l’effet expressif nécessaire, qui détermine les mérites artistiques d’une photographie particulière.

Les principales caractéristiques chromatiques de la lumière sont sa composition spectrale et sa température de couleur. La température de couleur des différentes sources de lumière varie considérablement, donc lors de la prise de vue avec un film ou un appareil photo numérique, soyez conscient de la possibilité de corriger les couleurs.

La mesure de la température de couleur d’une source lumineuse est basée sur le rapport entre la quantité de couleur bleue froide et la quantité de couleur rouge chaude. L'unité de température de couleur est le °K (degré Kelvin). Une source lumineuse avec une température plus élevée a une teinte plus bleue dans sa composition. À l’inverse, plus la source lumineuse contient de rouge, plus la température de couleur est basse. Vous trouverez ci-dessous un tableau des températures de couleur qui montre les températures de couleur en fonction des sources lumineuses :

Ce n'est un secret pour personne que la base du succès de la photographie réside précisément dans l'éclairage : sans lumière, il est généralement impossible de prendre une photo. Qui n’a pas envie d’obtenir des images lumineuses et juteuses comme sur la couverture d’un magazine sur papier glacé ? L’éclairage est très important aussi bien pour les portraits que pour les natures mortes, ainsi que pour d’autres types de photographie. La première exigence est qu’il y ait suffisamment de lumière. Les expositions longues entraînent des images floues, une sensibilité accrue à la lumière et l'apparition de « bruit » dans l'image. Lorsqu'il y a suffisamment de lumière, l'image s'avère juteuse, lumineuse, saturée de détails clairement visibles. Il est donc très important de fournir suffisamment de lumière. La deuxième tâche, plus difficile, consiste à rendre le motif lumineux expressif, à concentrer l’attention du spectateur sur l’essentiel. Une belle lumière inhabituelle devient partie intégrante de la photo, partie de la composition. Et pour expérimenter et obtenir des images intéressantes, vous n’avez pas besoin d’utiliser du matériel de studio coûteux.

Après avoir analysé la liste des composants d’une bonne photographie, nous arrivons à une conclusion importante. Pour qu'une photographie se révèle telle que l'image de la photographie soit proche de nos sensations visuelles, une seule composante émotionnelle ne suffit pas, même si elle est complétée par une bonne solution compositionnelle de la photographie. Dans le light painting, l’un des composants les plus importants est la lumière et ses caractéristiques. Cela signifie qu’il est difficile de sous-estimer la capacité du photographe à voir correctement, évaluer et utiliser magistralement l’éclairage disponible (ou créer de l’artificiel). Il est également important de surveiller les caractéristiques techniques du luminaire. Par conséquent, lorsque l’on considère le thème de la lumière et de l’éclairage, il est logique de diviser toutes les caractéristiques de la lumière en trois groupes indépendants. Ce sont des caractéristiques chromatiques, quantitatives et qualitatives de la lumière. Regardons-les.

Caractéristiques de couleur de la lumière

Les caractéristiques chromatiques de la lumière sont le rapport entre le nombre de rayons lumineux différents dans le spectre de la source illuminant notre sujet. Il est évident que les sources lumineuses que nous rencontrons dans nos vies ont des caractéristiques très différentes les unes des autres. Et cela est facile à voir si vous placez plusieurs sources lumineuses différentes les unes à côté des autres. Par exemple, une lampe à incandescence, comparée à la lumière du jour, apparaîtra franchement jaune, et les lampes « économiques » (fluorescentes) de « lumière du jour » et de lumière « chaude », installées dans une lampe, sont perçues comme bleu-bleu et jaune-rose. Cependant, si le sujet est éclairé par une seule source lumineuse, nos yeux s'adaptent parfaitement à ses caractéristiques de couleur. Cette caractéristique de notre vision nous permet de déterminer avec précision les couleurs des objets environnants dans presque tous les éclairages.

Balance des blancs, comment et pourquoi. Malheureusement, la matrice d’un appareil numérique elle-même ne peut pas s’adapter aussi facilement. Cela signifie que sa perception des couleurs doit être ajustée à l'aide du menu « balance des blancs ». En fait, la « balance des blancs » est la transmission par une matrice de lumière composée de différents nombres de rayons des régions bleues, vertes et rouges du spectre de la lumière visible. Et le réglage de la balance des blancs modifie la sensibilité de la matrice aux rayons de couleurs rouge, bleu et vert en fonction des conditions d'éclairage. Par exemple, dans le spectre de la lumière du jour (« blanche »), le nombre de rayons bleus, verts et rouges est à peu près égal. Dans ce cas, si la sensibilité de la matrice aux rayons lumineux bleus, verts et rouges est également la même, alors le rendu des couleurs sur la photographie sera complètement naturel. L'herbe verte deviendra verte, le ciel bleu restera bleu et les objets de couleur neutre ne recevront pas de teinte indésirable. C’est ce que nous entendons en général par « rendu naturel des couleurs ».

La composition de la lumière incandescente diffère de la lumière blanche en raison de la prédominance des rayons jaune-rouge dans le spectre et d'une quantité insuffisante de rayons bleus. Et si vous laissez la balance des blancs sur « jour » lorsque vous passez de la photographie de rue de jour à des scènes éclairées par des lampes à incandescence, l'image aura une teinte jaunâtre-orange grossière et les couleurs bleues et violettes disparaîtront pratiquement de l'image. Vous pouvez revenir à une reproduction normale des couleurs en basculant la balance des blancs de l'appareil sur la position « incandescente ». Dans ce cas, la sensibilité de la matrice aux rayons rouge-jaune sera considérablement réduite (puisque leur nombre dans le spectre est déjà excessif), et la sensibilité aux rayons de la partie bleue du spectre, au contraire, sera sensiblement augmentées (puisque ces dernières sont émises en très faible quantité par une lampe à incandescence). En conséquence, les objets de couleur neutre élimineront la coloration orange indésirable et le rendu des couleurs des objets d'autres couleurs sera aussi proche que possible de notre perception.

Balance des blancs automatique. Les appareils modernes offrent également la possibilité de régler la balance des blancs de manière entièrement automatique, sans intervention du photographe. Utiliser une balance automatique, comme tout autre appareil automatique, est très pratique, rapide et agréable. Cependant, malheureusement, le mode de balance des blancs automatique n’est pas toujours adéquat. Après tout, le « remplissage » électronique, même de l’appareil photo le plus moderne, ne peut être comparé à notre cerveau et à la quantité d’expérience de vie. Il existe de nombreuses situations dans lesquelles la reproduction des couleurs de l'image est déformée en mode d'équilibre automatique. Dans ces cas, le rendu des couleurs s’avère très loin d’être non seulement naturel ou souhaité, mais peut même dépasser les limites de l’acceptable. Par exemple, un chemin à travers une prairie verte, qui occupe la zone principale de l'image, prend pour une raison quelconque une teinte violacée, tandis que la verdure devient grisâtre et flétrie. La conclusion s'impose d'elle-même : dans de tels cas, vous devrez refuser les services d'automatisation.

Balance des blancs personnalisée. Un mode plus « professionnel » est considéré comme le mode de balance des blancs personnalisé basé sur un standard de couleur neutre (une feuille blanche ou une carte grise). Cette option permet dans certains cas d'obtenir un rendu des couleurs presque parfait, mais nécessite beaucoup plus de main d'œuvre et n'est pas toujours applicable. Cependant, nous n’entrerons pas maintenant dans les détails du réglage de la balance des blancs. Tout d'abord, vous connaissez déjà le principe de base : lors du réglage de la balance des blancs, nous compensons par la sensibilité accrue de la matrice aux rayons bleus, par exemple, leur manque dans le spectre de la source lumineuse. Et vice versa - une quantité excessive, par exemple, de rayons jaunes dans le spectre d'une source lumineuse ne conduira pas à une teinte jaune sur la photographie si la matrice y est moins sensible. Deuxièmement, la section du manuel de votre appareil photo consacrée à ce sujet mérite d’être lue attentivement. Eh bien, troisièmement, une discussion sur toutes les nuances associées à la reproduction des couleurs et à la balance des blancs (dans notre école de photo, une leçon distincte y est consacrée) mérite un grand article séparé, qui sera certainement écrit au fil du temps. Dans tous les cas, il est important de comprendre qu'un rendu des couleurs déraisonnablement déformé peut donner au spectateur un sentiment subconscient d'une sorte d'irrégularité. Ce qui, à son tour, se transforme en un sentiment de mensonge et de rejet de tout ce qui est représenté sur la photographie. Cela signifie qu'un tel spectateur ne pourra plus (ou ne voudra pas) prendre à cœur vos pensées et vos sentiments exprimés par la photographie.

Quantité de lumière

Le deuxième groupe de problèmes techniques liés à la lumière est sa quantité. Notre vision en la matière décide de tout de manière presque inaperçue de notre part, de manière totalement intuitive et automatique. Parmi les objets environnants, nous trouvons les plus sombres (nous les considérons comme « noirs ») et les plus clairs (nous les appelons « blancs » pour nous-mêmes). Nous comparons tous les autres articles dans les tons du blanc et du noir. Tout semblait simple. Mais la caméra ne peut pas suivre cette voie. Parce que son « cœur » – la matrice sensible à la lumière – ne peut pas déterminer le ton du sujet photographié. Il montre uniquement la correspondance entre la quantité de lumière qui tombe dessus et le niveau du signal de sortie. Et ce seulement dans les limites étroites de la « plage linéaire » de la sensibilité de la matrice. C'est pourquoi, pour déterminer la quantité de lumière tombant sur la matrice, nous sommes obligés d'utiliser un instrument de précision - un posemètre. Le posemètre détermine automatiquement la quantité de lumière réfléchie par le sujet et suggère (ou même se règle lui-même) la combinaison appropriée de vitesse d'obturation et d'ouverture (et parfois de sensibilité matricielle). Notons d'emblée que même l'œil le plus vif et le plus sensible n'est pas capable de déterminer avec précision la quantité de lumière et le couple vitesse d'obturation-ouverture correspondant.

Il sera donc très difficile d’utiliser les méthodes « samouraï », sans l’aide d’un posemètre, lors de prises de vue numériques. Et il faut aussi dire que le posemètre et l'automatisme d'exposition associé remplissent dans la plupart des cas leur objectif de manière tout à fait adéquate, nous laissant sans avoir besoin d'intervenir explicitement dans le processus de détermination de la quantité de lumière. À l’exception peut-être des scènes les plus difficiles en termes de lumière, caractérisées par une très large plage de luminosité.

Scènes "complexes" et posemètre. Le fait est que la plage de luminosité qu'une matrice d'appareil photo numérique classique peut « digérer » est assez petite. Et lorsque la luminosité des détails les plus clairs de notre sujet diffère considérablement non seulement des ombres, mais également des objets de luminosité moyenne (nous semble-t-il), les problèmes commencent. Et dans ce cas, nous devons décider lesquels des objets que nous voyons sont les plus importants pour nous pour le cadre, déterminer l'exposition pour transmettre le plus correctement leur gamme tonale. Et, bien sûr, nous devons accepter le fait que les objets plus clairs et plus sombres seront transmis non pas tels que nous les percevons avec notre vision, mais comme blanchis ou noyés dans l'ombre. Et comme les « trous » blancs et noirs (c'est-à-dire les zones avec des détails perdus de manière injustifiée) semblent extrêmement désagréables et désordonnés sur une photo, il est logique d'y prêter attention lors de la composition de la photo. Dans le même temps, nous notons une fois de plus que « Le Grand et Puissant Photoshop », ainsi que d'autres programmes de traitement ultérieur des photographies, ne peuvent qu'améliorer la perception de l'image, en l'adaptant pour une perception plus facile et plus pratique. Surtout lorsqu’il s’agit d’imprimer des photos sur du papier photo, qui reproduit une plage de luminosité beaucoup plus étroite. Eh bien, si pendant le processus de prise de vue des détails sont perdus en raison d'une surexposition ou d'une sous-exposition, alors aucun programme de traitement (même le plus complexe et le plus puissant), ni les danses chamaniques avec des tambourins ne pourront jamais les restituer à l'image.

Direction de l'incidence de la lumière

Le troisième groupe de l'ensemble des paramètres d'éclairage concerne ses caractéristiques de qualité. La lumière n’éclaire pas seulement le sujet dont nous avons besoin pour que nous puissions voir et capturer ses caractéristiques de couleur et de tonalité. En éclairant l'objet que nous avons choisi comme sujet de photographie, la source lumineuse crée des zones sur sa surface avec différents niveaux de luminosité - clair (« reflets »), tonalité moyenne (« pénombre ») et luminosité minimale (« ombres »). Et c'est très important. Après tout, il est assez difficile de créer une image uniquement à partir des lumières, et totalement impossible à partir des seules ombres. Le contraste (différence) entre les hautes lumières et les ombres créera une sensation de luminosité. Les ombres et les lumières elles-mêmes nous permettent de juger sans ambiguïté la forme et le volume des objets qui composent l'intrigue de notre photographie. Et de petites ombres, « dessinant » chaque surface inégale, même la plus insignifiante, de notre sujet, nous montrent sa texture. Mais tout cela se produit lorsque la lumière tombe correctement sur notre objet.

La lumière la plus souvent utilisée en photographie vient de la direction antéro-supérieure-latérale. Autrement dit, la source de lumière éclaire le sujet du côté du photographe, étant située au-dessus du photographe et à droite (gauche) par rapport à la direction de prise de vue. Dans ce cas, l'image sera constituée non seulement de reflets, mais également d'une petite quantité d'ombres. L’éclairage avant/côté est une option d’éclairage standard et, pourrait-on même dire, gagnant-gagnant pour la prise de vue de la plupart des scènes. Les autres options d’éclairage (principalement la lumière provenant de l’hémisphère arrière et l’éclairage inférieur) sont utilisées beaucoup moins fréquemment et uniquement lorsqu’un besoin d’une telle option d’éclairage apparaît.

Lumière de devant. Il est droit, frontal. Vous souvenez-vous de ce à quoi ressemblent les photos avec un flash intégré qui produit une lumière frontale ? Il tombe sur le modèle strictement de face, privant le visage de relief, le rendant plat, dévorant toute la texture. Parfois, les gens aiment les portraits pris avec cette lumière car malgré la perte des détails du visage, les boutons et les rides disparaissent, mais le résultat est rarement vraiment professionnel.

Lumière latérale. Comme son nom l’indique, la source lumineuse se trouve sur le côté. La texture est très bien dessinée. Une lumière latérale dure sur un côté peut complètement rendre le côté non éclairé complètement noir, il est donc préférable que ce type de lumière soit soutenu par une lumière d'appoint. Bien sûr, cela dépend beaucoup de l’idée de l’auteur.

Lumière antérolatérale. Juste milieu. Cette lumière souligne les contours des joues et des pommettes, la forme des lèvres et du nez du modèle, donne du volume, et en même temps ne plonge pas la moitié du visage dans l'obscurité, puisqu'elle n'est pas située sur le côté.
Si la source d'une telle lumière est également douce, elle pourrait alors s'avérer être la seule source d'éclairage autonome dans le portrait.

plafonnier. Nous en avons déjà parlé en regardant l'exemple de la lumière dure sous le soleil de midi. Oreilles enfoncées, ombre noire sous le nez et le menton. Le paysage sous le plafonnier semble également assez ennuyeux. Cependant, si la source lumineuse zénithale est grande et directement au-dessus de la tête du modèle, vous pouvez obtenir un résultat intéressant.

Lumière inférieure. La lumière inférieure garantit qu'une personne ressemblera à une histoire d'horreur pour la simple raison que l'ombre du nez ne tombe pas comme d'habitude, mais monte. L'ombre des joues remonte également, cachant les orbites.

Le résultat est un visage qui ressemble à un crâne. À propos, la lumière du bas est le seul type de lumière qu’on ne trouve pratiquement pas dans la nature.

Rétroéclairage. La source de lumière se trouve directement devant la caméra ou légèrement sur le côté - dans ce cas on parle de back-side.Cette lumière souligne magnifiquement le contour du visage ou de la silhouette. Et lorsqu’il n’y a qu’une seule source de rétroéclairage, on obtient une silhouette. À propos, le rétroéclairage peut être dirigé non seulement vers le modèle, mais également vers l'arrière-plan derrière le modèle, il deviendra alors doux et uniforme.

Rétroéclairé. Un type de rétroéclairage où la source de lumière est située directement derrière le sujet. Les contours de l'objet s'illuminent, créant un effet lumineux. Quelque chose de transparent et de léger est très beau dans cette lumière : le voile de la mariée, les cheveux...

Dureté légère

Outre la direction de la lumière, il est important de ne pas oublier la deuxième caractéristique qualitative : la dureté (ou la douceur) de la lumière. La lumière dure est créée par une source lumineuse de petite taille par rapport à la distance qui la sépare (par exemple, la lumière du soleil dans un ciel clair). Il en résulte un éclairage assez vif et contrasté – des lumières vives, des ombres profondes et clairement définies.

Un éclairage dur révèle très bien toutes les caractéristiques de la surface du sujet - forme et texture. Ceci est particulièrement visible lorsque la lumière a une direction « glissante » par rapport à la surface du sujet.

La lumière douce est la lumière provenant d’une source de lumière relativement grande (par rapport à la distance qui la sépare). Un exemple d’un tel éclairage est le temps nuageux, où la source de lumière est un ciel nuageux. Contrairement à la lumière dure, la lumière douce crée un éclairage beaucoup moins contrasté, car l’image est principalement constituée de pénombres plus claires et plus sombres. Les reflets brillants et les ombres profondes d’une photo prise sous un éclairage doux sont soit présents en très petites quantités, soit totalement absents. La lumière douce est bien pire que la lumière dure, elle agit sur la texture de la surface des objets photographiés, mais elle concentre l'attention sur leurs caractéristiques de couleur. Les photographies les plus « colorées » sont celles prises sous un éclairage doux.

Lumière dure par temps clair	Lumière douce par temps nuageux

La lumière dans des conditions naturelles

Tout ce dont nous venons de parler peut être utilisé même dans les cas où vous ne travaillez pas en studio et n'utilisez pas de flash. Dans la rue, le type d'éclairage dépend directement de la position du soleil. Plus on approche de midi, plus la lumière ressemble à un plafonnier. Mais d’ailleurs, pas en hiver. En hiver, le soleil est bas et même à midi il donne une lumière oblique.

Lumière du soleil rétroéclairée. Les photos prises au coucher du soleil ou à l'aube sont très belles. Le soleil bas crée de longues ombres et la photo prend un ton chaud et agréable. Que cette lumière naturelle soit frontale, latérale, antérolatérale ou rétroéclairée, c’est à vous de décider. Tout dépend de la façon dont vous faites pivoter le modèle par rapport au soleil et de la position que vous prenez.

Mais comme les ombres trop profondes doivent encore être corrigées, vous aurez besoin d'une lumière d'appoint. En règle générale, cela se reflète dans de tels cas. Vous pouvez l'obtenir en utilisant un disque lumineux spécial pour mettre en évidence les ombres ou en utilisant n'importe quelle surface lumineuse à portée de main. Par exemple, un T-shirt blanc ou un mur lumineux reflétera la lumière sous différents angles et fournira un éclairage doux. Les surfaces sombres, en revanche, absorbent la lumière, donc si vous souhaitez approfondir les ombres, vous pouvez trouver un mur noir et placer votre modèle à côté.

Si vous photographiez par temps nuageux, la lumière sera plus simple et plus ennuyeuse - un éclairage doux et uniforme du modèle et de l'arrière-plan de tous les côtés, sans ombres ni creux profonds. D'une part, c'est bien, d'autre part, il n'est pas question d'accentuation de la lumière ou de dessin de volume.

En filmant à la maison, vous pouvez également obtenir des scènes intéressantes - il suffit d'aller à la fenêtre. La fenêtre agit comme une grande source de lumière douce qui tombe très bien sur le sujet. À propos, si vous placez un modèle ou un objet entre une fenêtre et une barrière immatérielle, celle-ci donnera une légère lumière d'appoint.

L’éclairage à incandescence semble généralement plutôt terne. Un lustre suspendu au plafond donne une lumière zénithale dure, et les manipulations avec les lampes de table sont également assez limitées, car leur lumière sera dure (car elles sont petites) et faible. Pour obtenir une image de haute qualité dans ce cas, il est préférable d'utiliser un flash.

Sources de lumière en photographie, ils peuvent classiquement remplir les rôles suivants.

Peindre la lumière. Il devrait toujours y avoir une source de lumière clé. En théorie, c’est la lumière principale de la composition. Il s'agit d'une lumière directionnelle qui fait ressortir la forme et les détails d'un objet, cette lumière peut être dure ou douce. Les lampes doivent être utilisées soit à des puissances différentes, soit à des distances différentes de l'objet. Une partie de la lumière de la lumière principale peut rebondir sur le réflecteur, créant une lumière d'appoint qui met en valeur les ombres. La source lumineuse n’est généralement pas placée à moins d’un mètre et demi de l’objet, mais pas trop loin non plus. La fonction de la clé lumineuse peut être assurée par la lumière du soleil qui traverse une fenêtre, une porte, etc. La lumière principale crée un contour d’ombre. Lorsqu'une surface est éclairée par une source de lumière du côté de la caméra, des zones d'ombre se forment dans des zones individuelles situées à différents angles par rapport aux rayons lumineux, créant ainsi un contour.

Remplir la lumière doit éclairer l'objet uniformément, créer un niveau d'éclairage tel que les détails soient bien travaillés et qu'il n'y ait pas d'ombres visibles. Cela rend les ombres plus claires. La lumière d'appoint doit être douce - par exemple, la source peut être dirigée vers un plafond lumineux.

Lumière de modélisation joue le rôle de lumière d’appoint supplémentaire. Il met en évidence les ombres dans les bonnes zones. La lumière pilote est produite par de petites sources de lumière douce. Permet d'obtenir des éblouissements et des reflets sur les parties réfléchissantes du sujet.

Rétroéclairage (éclairage du comptoir) . La source lumineuse est située derrière le sujet. Un contour lumineux est créé et est également utilisé pour identifier la brume aérienne, éclairer les textures et créer un « jeu de lumière » sur les objets transparents. Plus la source de lumière est proche de la caméra, plus la bande de contour lumineux est large. Plus la source lumineuse est éloignée de la caméra, plus la bande lumineuse se rétrécit.

Lumière de fond illumine l'arrière-plan. Une lumière douce et diffuse ou directionnelle est utilisée. L'éclairage d'arrière-plan met en valeur le sujet et crée une différence d'éclairage entre celui-ci et l'arrière-plan. Pour obtenir un sujet sur un fond parfaitement blanc, plus de lumière est dirigée vers l’arrière-plan que vers le sujet. Pour mettre en valeur un sujet sur un fond coloré, l'arrière-plan est moins éclairé que le sujet.

Accent léger- un faisceau étroit et dirigé de lumière dure ou douce est dirigé vers la partie de l'objet qui doit être éclairée et mise en valeur par sa composition.

INFORMATIONS DE RÉFÉRENCE. L'éclairage du sujet est directement proportionnel à la luminosité de la source lumineuse. Lorsque la luminosité de la lumière double, l’éclairage de l’objet double. Avec la lumière artificielle, l’éclairage dépend de la distance entre la source lumineuse et le sujet. L'éclairement relatif d'une source lumineuse ponctuelle est inversement proportionnel au carré de cette distance. C'est ce que c'est règle du carré inverse, ce qui signifie que:

Lorsque la distance entre l'objet et la source lumineuse double, l'éclairage diminue d'un facteur quatre ;

Lorsque la distance entre l'objet et la source lumineuse augmente trois fois, l'éclairage diminue neuf fois ;

Lorsque la distance entre l’objet et la source lumineuse est réduite de moitié, l’éclairage est multiplié par quatre.

Il convient de noter qu'il n'existe pas de « bonne lumière garantie » dans laquelle tout ce qui entre dans le champ de vision de l'objectif de votre appareil photo se transforme en une excellente photographie. De la même manière, il n’existe pas de lumière « définitivement mauvaise ». Un éclairage « bon » et « correct » sera celui où sa direction et sa dureté révèlent le mieux les caractéristiques de notre sujet dont nous avons besoin pour l'intrigue. Et vice versa - la « mauvaise » et la « mauvaise » lumière concentrent notre attention sur les propriétés de notre objet que nous ne voulions pas montrer. Par exemple, lors d'une prise de vue sous les rayons d'une source de lumière dure, la peau du visage perd sa couleur naturelle, mais devient rugueuse, grumeleuse et marbrée de rides. Et une lumière douce rend la même peau douce, lisse et délicate, vous permettant de profiter du ton naturel « chair » de sa couleur. Dans d'autres situations, lorsqu'il est nécessaire de souligner la texture de la maçonnerie du mur d'une maison ancienne, de révéler la forme de chaque épillet dans un champ de blé, ou de littéralement « dessiner » des empreintes de pas dans le sable, il n'y a pas d'alternative. à la lumière dure et glissante.

N'ayez donc pas peur d'expérimenter et rappelez-vous que c'est le photographe, et non l'équipement, qui fait une bonne photo.

TÂCHE PRATIQUE.

1. Placez un petit modèle, comme une poupée, sur la table et « jouez » avec différentes sources de lumière que vous trouvez chez vous. Il peut s'agir d'une lampe de table, d'un lampadaire, d'un spot ou d'une lampe de poche... Photographiez votre modèle dans différentes combinaisons de lumière.

2. Prenez une lampe de poche, allez devant le miroir, regardez attentivement votre visage. Maintenant, en utilisant une lampe de poche comme lampe pilote, illuminez votre visage de différents côtés - de côté, d'en haut, d'en bas. Revoyez cet exercice.

3. Je vous propose de répondre aux questions suivantes :

• Comment ajouter « l’âge » à une personne utilisant l’éclairage ?
• À quel moment de la journée est-il préférable de photographier un paysage ? Pourquoi?
• Pourquoi n'est-il pas recommandé de photographier en intérieur avec le flash intégré, surtout à courte distance ?
• Pourquoi est-il souvent recommandé d’allumer le flash par une journée ensoleillée ?

Nous attendons les résultats des expérimentations, ainsi que des questions sur le thème de la leçon, sur le site.

Dans la prochaine courte leçon n°2, vous apprendrez : quand dans la plupart des cas vous devez suivre les règles de composition, et quand vous pouvez risquer de les enfreindre et obtenir une image inhabituelle.